JESSICA TWITCHELL Rude Receptions in Real (15.9.-15.12.2013)


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Fotos: Tamara Lorenz


In 2013, Jessica Twitchell realized two exhibition projects – Exhibition Now! in Glasgow and Cologne’s Rude Receptions in Real. Both projects, site-specific as they were, share a common struggle about possibilities of reproduction and aesthetic experience in public space. Strategies which abandon the exclusivity of the arts towards open access and a greater outreach.

Rude Receptions in Real

The anonymity inherent to techniques of reproduction is to be found, too, in a group of sculptures made of boxboard which spread over two of three display cabinets in the Cologne exhibition. Here, strategies and technical methods of reproduction are connected with traditional craftsmanship, minimalist sculpture, and repeating surfaces.

Similar to conventions of 1960s Minimal Art, Twitchell reduces form to simple and understandable geometrical structures (Minimal Art: Primary Structures). These remind of industrial production in their serial repetition and carry a certain clarity and logic in themselves. Despite their fragmentary reductively, the monumental shapes which are assembled by several geometric elements recall traces of archaic, classical as well as industrial and modern architectures, which make their way through everyday life in reproduced images or daily routines into the unconscious memories in the beholders mindset and are now triggered. These different bricks form a landscape of archeological ruins, which deliver various impulses to the cultural memory. Unlike Minimal Art, subjective issues like memory, association, and interpretation find their space.

Instead of leaping back to monochrome coloring, the clarity of the form is cracked with complex surface structures. While Donald Judd turned color into a plastic form, Twitchell turns patterns and structures into three dimensional space which result from different printing processes.

An offset-misprint serves as the blueprint for the colored screenprints which cover the sculptures in the two large displays. Whereas in the fist case the printing machine, respectively its barrel or chance caused the structures dues to missing printing informations; in the second it is a human action guiding the conversion of the product of chance towards the screenprint – yet here the technical process took over. During the screenprint two identical patterns were used turned upside down in different color so the relocated patterns and the overlaying colors result in an opaque spacial depth.

These strict closed forms and the blurred complexity of the surface lead towards an uncommonly balanced general impression. The misprint, a pattern repeat, but instantly breaking it characteristic seriality through various forms as well as the changing and overlaying colors. Movement enters the installation, colors connect the individual forms as cinematographic sequence even beyond the glass of the displays.

The artist also tackles the principles of serial reproduction in the smallest of the three displays. Here, walls, floor, and ceiling are covered in collaged drawings, water color, and pencil. These follow a blueprint from Cologne’s Römisch-Germanisches Museum: an antique mosaic which simulates three dimensionality through its geometrical forms in four shades of grey. The artist deconstructs the strict balance of the blueprint through water coloring and cutting and pasting of her drawings.

Where space seems to dissolve in the complex structures of collage, that collage turns ever more dense as a sculptural pattern in form of a three dimensional wall piece suggesting intimacy in its oval, calculatedly unrefined shape. Despite the serial character of the collage, no object resembles another. The visible handwriting and the process of creation illustrate how craftsmanly techniques of reproduction have been changed by push button copy machines of digital technology which results despite infinite possibilities regarding color and shape in a certain conformity.

In her work, Jessica Twitchell reconciles traditional and contemporary media, techniques, and thought. Craftsmanly originality and graphical printing reproduction are placed equally balanced. The single dissolves in the whole, the whole fragments to rearrange itself as something new – an ongoing circle and its openness is mirrored in both exhibition formats.

Exhibition Now!

In Glasgow, the artist postured reproductions of her own works – in a pitch-dark action – as serial poster displays in public space. She documented these on photo to afterwards leave them on their own.

The discourse on the unique, respectively the original work and the loss of its auratic value in the moment of its reproduction – the artwork no longer only exists in its here and now – is a common place in arts theory since Walter Benjamin at the latest. Twitchell dislocates her work from its origin and authorship in the traditional way not only by means of reproduction but also by presenting the posters temporarily and anonymously in Glasgow’s public space. In reverse, you might argue in favor of an extended authorship towards reproduction as that becomes part of the creative process. This way, reproduction has the same quality as the original, it becomes its own work of art, an original.

In „Raffinierte Kunst – Übung vor Reproduktion“ (yet not available in English: „Refined Art – Exercise over Reproduction“) Wolfgang Ullrich looks for the „real“ artwork and agues that since modernism the place of the artwork has shifted from the physical object towards its photographic representation. This turns paradox when we become more familiar with the reproduction than with the original which seems to lack a sense of reality. When photography in visual arts at first testified an existence, which allowed holding on to or multiplied experiences of an ephemeral state or action – yet it also succeeded in accomplishing something which is hard to capture in reality. The temporal and spacial concentration or exclusion up to an idealization or re-staging of the art work.

Reconsidering that approach, Twitchell chose images of three dimensional objects for Exhibition Now! She repeatedly multiplied them as single fragmented motives. Mirrored or turned upside down and rearranged they turn into ornamental surfaces while the single element dissolves in the whole only to reappear at a closer look. The works are marked by floating processes of change up to its fugacity. As the ephemeral displays in Glasgow vanished due to weather and other conditions after some time, they reappeared as images of a poster edition which reformulated the question of the unique and the reproduction in the moment of editing and postproduction.



2013 realisierte Jessica Twitchell die Ausstellungsprojekte Exhibition Now! in Glasgow und Rude Receptions in Real in Köln. Beide ortsspezifischen Projekte verbindet die Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten der Reproduktion und der Kunsterfahrung im öffentlichen Raum – Strategien, welche der Kunst ihre Exklusivität zugunsten einer leichteren Zugänglichkeit und größeren Tragweite nehmen.


Rude  Receptions in Real

Die den Reproduktionverfahren im Allgemeinen eingeschriebene „Anonymität“ lässt sich auch in der Skulpturengruppe aus Graupappe wiederfinden, die sich über die zwei großen der insgesamt drei Vitrinen in Köln erstreckt. Hier werden Strategien und technische Verfahren der Reproduktion mit traditionellem Handwerk, minimalistische Skulpturen mit rapportartigen Oberflächen verbunden.

Wie es für die Minimal Art in den 1960er-Jahren typisch war, reduziert Twitchell ihre Formen auf einfache und übersichtliche, geometrische Grundstrukturen (Minimal Art: Primary Structures), die in einer nahezu seriellen Wiederholung, die industrielle Produktion ins Gedächtnis rufen und eine schematische Klarheit und Logik in sich tragen. Die aus mehreren geometrischen Elementen zusammengesetzten, monumentalen Formen erinnern trotz ihrer fragmentarischen Reduziertheit an Versatzstücke archaisch, klassischer, aber auch industrieller, moderner Architekturen, die sich im Alltag entweder durch reproduzierte Bilder oder alltägliche Strukturen unbewusst im Kopf des Betrachters festgesetzt haben und nun abgerufen werden. Gemeinsam bilden die verschiedenen „Bausteine“ eine archäologische Ruinenlandschaft, durch welche das kulturelle Gedächtnis verschiedenste Impulse erfährt. Anders als in der Minimal Art hat so auch Subjektives wie Erinnerung, Assoziation und Interpretation seinen Platz hier.

Statt auf eine monochrome Farbigkeit zurückzugreifen, wird die Klarheit der Formen hier mit komplexen Oberflächenstrukturen aufgebrochen. Während Donald Judd Farbe in eine plastische Form brachte, sind es Muster und Strukturen, die Twitchell in die Dreidimensionalität überträgt und welche hier aus verschiedenen Druckverfahren heraus entstehen.

Als Vorlage für die farbigen Siebdrucke, die die Skulpturen in den beiden großen Vitrinen komplett überziehen, diente ein Offset-Leerdruck. Während bei dem ersten Druckverfahren, die Maschine bzw. die Walze oder vielmehr sogar der Zufall die Strukturen aufgrund einer fehlenden Druckinformation entstehen ließ, war es beim zweiten Druckverfahren der Mensch, welcher die Weiterverarbeitung des Zufallsprodukts zum Siebdruckraster steuerte, wenngleich auch hier das technische Verfahren die menschliche Handschrift ablöste. Während des Siebdruckverfahrens wurden zwei im Raster identische und in der Farbe variierende Siebdrucke, um 180° gedreht, übereinandergelegt, so dass durch die versetzten Rasterpunkte und die Überlagerung der Farben eine diffuse räumliche Tiefe entsteht.

So ergeben die strenge Geschlossenheit der Formen und die Unschärfe wie Komplexität der Oberflächen ein ungewohntes ausgeglichenes Gesamtbild. Rapportartig wiederholt sich das Raster des Fehldrucks, dennoch wird der hier angelegte serielle Charakter durch die verschiedenen Formen ebenso wie durch die changierenden und sich überlagernden Farben gebrochen. Bewegung kommt in die Installation, die Farbigkeit verbindet die einzelnen Formen als nahezu filmische Sequenzen miteinander, sogar über die Glasscheiben der Vitrinen hinweg.

Auch in der kleinsten der drei Vitrinen spielt die Künstlerin mit den Prinzipien der seriellen Reproduktion. Hier bedecken collagierte Zeichnungen mit Aquarell und Bleistift auf Papier Wände, Decke und Boden. Deren Vorlage, ein antikes Mosaik aus dem Römisch-Germanischen Museum in Köln, simuliert mithilfe von geometrischen Formen in vier Graustufen Räumlichkeit. Diese ursprüngliche Gleichmäßigkeit und Strenge der Vorlage bricht die Künstlerin sowohl durch die Technik des Aquarellierens als auch durch das Zerschneiden und erneute Zusammenfügen ihrer Zeichnung.

Dort, wo sich der Raum in die komplexen Strukturen der Collage aufzulösen scheint, verdichtet sich diese wiederum als „skulpturales Muster“ in Form einer dreidimensionalen Wandarbeit, die mit ihrer ovalen, bewusst unvollkommenen Form eine gewisse Intimität suggeriert. Trotz des seriellen Charakters der Collage gleicht keine Form der anderen. Die sichtbare Handschrift und der damit verbundene Entstehungsprozess führen gleichzeitig vor Augen, wie das Kopieren auf Knopfdruck bzw. digitale Verfahren der Reproduktion handwerkliche Prozesse ablösen und damit, trotz einer scheinbar unendlichen Farb- und Formvielfalt, eine gewisse Konformität einhergeht.

Jessica Twitchell versöhnt traditionelle und zeitgenössischen Medien, Techniken und Denkweisen. Handwerkliche Einzigartigkeit und druckgrafische Reproduktion stehen ausgewogen nebeneinander, wechseln sich ab. Einzelnes löst sich im Ganzen auf. Ganzes wird fragmentiert, um sich wieder zu etwas Neuem zusammenzusetzen – ein fortwährender Kreislauf, dessen Offenheit sich in der Ausstellungsform beider Projekte wiederfindet.

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Exhibition Now!

In Glasgow plakatierte die Künstlerin in einer nächtlichen Aktion Reproduktionen ihrer Werke als serielle Posterflächen an verschiedenen öffentlichen Orten, dokumentierte diese fotografisch, um sie dann wieder sich selbst zu überlassen.

Der Diskurs um das Unikat bzw. das Original und den Verlust seines auratischen Wertes im Moment seiner Reproduktion, die das Kunstwerk um sein Hier und Jetzt bringt, ist spätestens seit Walter Benjamin fester Bestandteil der Kunsttheorie. Twitchell entfernt ihr Werk nicht nur durch die Reproduktion von seinem Ursprung und der Autorschaft im klassischen Sinne, sondern auch durch die temporäre, völlig anonyme Präsentation der Poster im öffentlichen Raum in Glasgow. Im Umkehrschluss könnte man aber auch sagen, dass hierbei die Autorschaft um die Reproduktion erweitert wird, denn diese ist Teil des Schaffensprozesses; die Reproduktion hat damit eine ebensolche Daseinsberechtigung, sie ist autonomes Kunstwerk, sie ist Original.

In dem Buch „Raffinierte Kunst – Übung vor Reproduktionen“ geht Wolfgang Ullrich der Frage nach dem „echten“ Kunstwerk nach, verlagert sich seine Existenz seit der Moderne doch zunehmend vom realen Ausgangsobjekt in die fotografische Wiedergabe. Paradox erscheint dabei, dass wenn die Reproduktion vertrauter ist als das Original, es diesem an Wirklichkeit zu fehlen scheint. Während die Fotografie in der Bildenden Kunst zunächst noch als Beglaubigung einer Existenz, das Festhalten und mehrfache Miterleben eines temporären Zustands oder einer Aktion ermöglichte, erreicht sie weiterhin das, was „in natura“ selten gelingt: Eine zeitliche und räumliche Konzentration bzw. Abgeschlossenheit bis hin zur Idealisierung und Neuinszenierung der Kunst.[1]

Einen solchen Ansatz weiterdenkend, verwendete Twitchell für Exhibition Now! Dokumentationen ihrer dreidimensionalen Werke. Diese reproduzierte sie mehrfach als einzelne fragmentarische Motive. Gespiegelt oder um 180° gewendet und zusammengefügt, bilden diese eine ornamentale Fläche, in der sich das einzelne Element im Ganzen auflöst, um bei näherer Betrachtung wieder in Erscheinung zu treten. Die Werke sind gekennzeichnet von fließenden Veränderungsprozessen bis hin zur Vergänglichkeit. So verschwanden die ephemeren Posterflächen in Glasgow durch Witterung und andere äußere Einflüsse nach einer gewissen Zeit, tauchten jedoch als Motiv einer Posteredition wieder auf, die im Moment ihrer Nachbearbeitung wiederum in den Kreislauf von Unikat und Reproduktion einging.

[1] vgl. Wolfgang Ullrich: Raffinierte Kunst – Übung vor Reproduktionen, Berlin 2009, S. 77 ff.


An exhibtion catalogue is realized

with the kind support of

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